Qu’elle est la marque des pastels que j’ai testé et présenté sur ma chaine Youtube ? Et combien de vues a fait la vidéo ?
NB : Pensez à vous abonner si pas encore fait. 😏
Quelles sont les techniques de base pour estomper les couleurs au pastel sec ?
A quand remonte la couleur noire ?
Réponse dans le blog du site. ICI
Charade :
Vous aimez mon TOUT .
Vous aurez chaque jour une question sur les pastels en général, sur une vidéo astuce ou autre…
Vous noterez sur un papier ou un fichier : Question N°….. : Réponse…. et vous me l’enverrez à la fin du mois. (vous aurez quelques jours après le 25 )
Des points vous seront attribués.
Sur un papier pastel de 3 x 3 cm ou 4 x 4 cm, au choix.
A la fin du mois, vous le reconstiturez et m’enverrez la photo
avec vos réponses aux questionnaire.
Voici la pièce N° 25 à préparer
Amusez-vous bien et à tout de suite au Jour 1
Comme toujours, je prévois des lots pour vous, je vous en dirai plus par mail.
J’espère que cette année encore, vous y prendrez plaisir.
L’histoire et l’évolution du pastel au 18e et 19e siècles apporte une palette importante de connaissances.
Connaissance des grands auteurs et personnages, des différentes techniques et matériaux déjà utilisés auparavant, des changements survenus dans le temps.
En l’occurrence, en termes de pastel, on peut apprendre tellement de ce magnifique art. Jusqu’à la fin du 17e siècle, le pastel fut un simple moyen d’ajouter un peu de couleur dans les dessins.
Et il y a depuis longtemps eu une hiérarchie entre la peinture et le pastel. Dans quelle mesure, le pastel s’est-il progressivement affirmé comme une discipline à part entière ?
Et comment a-t-il réussi à conquérir sa légitimité ?
Dans les premiers temps, 15e et 16e siècle, on utilisait les craies de couleur avec une palette extrêmement réduite pour agrémenter les dessins. Parmi les artistes du 16e siècle : Jacopo Bassano, Federico Barocci, Jean Clouet, Etienne Dumonstier.
Ceux du 17e siècle : Nicolas Dumonstier fut le 1er artiste peintre en pastel de l’Académie française Royale de Peinture et de Sculpture (en 1665).
En ces temps, la technique du pastel va être, plus rattachée à la peinture qu’au dessin. L’Académie française ne fait pas vraiment de différence entre la peinture à l’huile et au pastel. Ce sont juste différentes manières de faire de la peinture et les peintres en pastel sont encore relativement rares.
Grâce à Joseph Vivien, un peintre important de la fin du 17e siècle, le pastel s’installe dans le paysage artistique. On doutait si ses œuvres étaient peintes à la peinture ou au pastel. Il faisait des portraits peints en pieds grandeur nature, de grands portraits (portrait d’apparat).
En 1720 dans la régence, il y eut le succès foudroyant de l’Italienne Rosalba Carriera. Ayant commencé miniaturiste, elle troque l’art de la miniature à l’art du pastel.
Elle entame une carrière de peintre en pastel, voyage énormément et emporte ses pastels pour se faire connaître. Elle arrive sur les scènes parisiennes et crée avec une extrêmement spontanéité. Son succès lui vaut l’honneur d’être admise à l’académie royale.
Elle va connaître un succès international et grâce à elle, le pastel s’exporte de Paris dans tous les pays d’Europe. La spécificité du pastel se voit à travers ses œuvres, la propriété légère et vaporeuse du matériau pastel. Il est commode d’emploi, peu salissant, les bâtonnets s’emportent facilement et il n’y a pas de temps de séchage.
Les femmes en particulier vont s’enthousiasmer pour elle. Cette artiste révèle la spécificité même du matériel avec un rendu velouté et très enlevé dans ses pastels.
Parmi les points soulevés par les académiciens qui font du pastel : un « petit art » est que, le pastel est un art qui attire beaucoup les femmes, ce qui lui a valu la réputation de facilité et d’amateurisme.
L’art du pastel ne parvient pas à obtenir toute sa légitimité, parce qu’il est situé entre peinture et dessin, lié au portrait (genre qui n’a pas tout le prestige dans l’histoire), pratiqué par les femmes et les multitudes d’amateurs…
Parmi les femmes peintres en pastel : Adélaide lab guiard, Isabelle vigée le brun, Suzanne Giroud…
Pastel, Charles Antoine Coypel
Le succès de Rosalba donne des idées à d’autres artistes.
Notamment, son ami Charles Antoine Coypel qui obtient le prix à l’académie en 1711. Il est devenu peintre d’histoire en 1715. Avec ses portraits très originaux, il fut malgré cela l’un des rares à ne pas se cantonner au portrait.
Maurice Quentin De La Tour fut un des principaux pastellistes du 18e siècle. Il réalise le portrait de Gabriel de Rieux (2 m) avec une extraordinaire maîtrise, le luxe du détail et une grande précision. Il se fait remarquer avec ses grandes œuvres.
Il ne se borne pas aux traits du visage, il peint les caractères avec une représentation du cadre de vie dans ses pastels. Son succès fut rapide dans la moitié du 18e siècle.
Pastel, Maurice Quentin De La Tour
Le pastel devient alors, un peu grâce à lui, un art parfaitement reconnu.
Et c’est seulement en 1830 qu’on a le terme « pastelliste ».
À la moitié du 18e siècle, avec la percée de La tour on observe une multiplication des peintres en pastel, des écoles gratuites et publiques, écoles élémentaires qui forment au pastel.
Le succès du pastel suscite une certaine irritation parmi les artistes et notamment chez certains académiciens, car il fait de l’ombre à la grande peinture de l’histoire qu’ils essaient de raviver.
Quand on est pastelliste, on fait à la fois le dessin et la couleur. Deux théories que les académiciens veulent distinctes. Par ailleurs, ils dénoncent la prétendue facilité d’une technique qui concurrence la peinture à l’huile. On a ainsi demandé aux élèves qui souhaitent intégrer l’académie royale d’apporter leur peinture à l’huile avant leur intégration en ces années.
Edgard Degas, lui, fut un éternel insatisfait. Le pastel lui permet de serrer la réalité. Il présente la figure humaine ainsi que la représentation de la vie humaine. Il va exposer des sujets qui sont complètement nouveaux avec l’éclat incomparable des pastels. (1877)
En 1880, l’Italien Giuseppe De Nittis lance la mode du pastel avec des pastels en grand format (1m96*4m) ; une série de 18 pastels les courses avec la variété des situations et son point de vue très original, presque un autre art, des portraits dans le milieu même de la vie quotidienne. Parmi ses œuvres, les courses à Auteuil.
Camille Flers en était le plus ardent défenseur.
Parmi les pastellistes du 18e siècle, Jules Dupré, Ernest Duez, Pierre Prins, Emile Lévy (avec ses œuvres à couper le souffle) et bien d’autres encore. Alors, le pastel va s’imposer avec l’essor du paysage au pastel.
Paul Cézanne, souvent considéré comme le père de l’art moderne, a eu une influence majeure sur le développement de l’art contemporain. Né à Aix-en-Provence en 1839, il est particulièrement reconnu pour ses paysages, qui ont révolutionné la perception artistique de la nature.
Cézanne ne se contentait pas de copier la nature ; il cherchait à exprimer ses sensations et à capturer l’essence même des paysages. Il disait : « Peindre d’après nature, ce n’est pas copier l’objectif, c’est réaliser ses sensations » [6]. Cette philosophie se reflète dans son utilisation distinctive de la couleur et de la forme pour construire des compositions harmonieuses et dynamiques.
Les paysages de Cézanne vont au-delà de la simple représentation de la nature. Ils offrent une expérience presque mystique, permettant aux spectateurs de ressentir un lien profond avec le monde naturel. Ses œuvres comme « La Montagne Sainte-Victoire » sont des exemples emblématiques de cette approche, où la montagne devient un symbole du sacré, une présence majestueuse et intemporelle .
Cézanne a ouvert la voie à de nombreux mouvements artistiques, y compris le cubisme et l’art abstrait. Son traitement innovant de la perspective et de la structure a inspiré des générations d’artistes. Aujourd’hui, ses paysages sont célébrés pour leur capacité à capturer la beauté et la complexité de la nature, tout en invitant à une contemplation plus profonde .
En somme, les paysages de Paul Cézanne ne sont pas seulement des œuvres d’art ; ils sont des invitations à voir le monde à travers les yeux d’un maître qui a su marier la technique et la spiritualité pour créer des œuvres d’une profondeur inégalée.
Paul Cézanne a produit près de deux cents portraits au cours de sa carrière. Ces œuvres incluent vingt-six autoportraits et vingt-neuf représentations de son épouse, Hortense Fiquet
Cézanne a souvent peint des membres de sa famille et des amis proches. Parmi ses sujets récurrents, on trouve le Docteur Gachet, le critique d’art Gustave Geffroy, et son oncle Dominique. Ses portraits sont connus pour leur profondeur psychologique et leur technique unique. Il réalise de nombreux auto-portraits.
Dans ses portraits, Cézanne n’utilisait pas la technique traditionnelle de lissage des traits. Au contraire, il appliquait la peinture en touches visibles, ce qui donnait à ses œuvres une texture riche et un sens du volume. Cette approche est visible dans des œuvres comme le « Portrait de Madame Cézanne », où il capte une pose très hiératique et un visage impassible.
Les portraits de Cézanne ont influencé de nombreux artistes modernes en explorant des dimensions au-delà de la simple ressemblance physique. Sa capacité à capturer l’essence de ses sujets tout en expérimentant avec la forme et la couleur a ouvert de nouvelles voies dans l’art du portrait.
En résumé, les portraits de Paul Cézanne représentent une partie essentielle de son œuvre, démontrant son génie pour capturer la personnalité et l’essence de ses sujets à travers des techniques novatrices et une vision unique
Cézanne a transformé la nature morte en explorant de nouvelles façons de représenter les objets du quotidien. Il s’est éloigné de la simple reproduction réaliste pour se concentrer sur la forme, la couleur et la composition. Il disait : « Il faut traiter la nature par le cylindre, la sphère et le cône » [6], illustrant sa volonté de décomposer les objets en formes géométriques simples.
L’utilisation de la couleur par Cézanne dans ses natures mortes est particulièrement innovante. Il employait des coups de pinceau variés et des juxtaposition de teintes pour créer des effets de lumière et de profondeur. Ses œuvres célèbres, comme « La corbeille de pommes » et « Les pommes et les oranges », montrent comment il pouvait donner vie aux objets les plus banals par une manipulation magistrale de la couleur et de la lumière.
Cézanne a également bouleversé les conventions de la perspective traditionnelle. Plutôt que d’utiliser un point de fuite unique, il adoptait souvent plusieurs points de vue dans une même œuvre, ce qui donnait à ses natures mortes une qualité dynamique et presque cubiste avant l’heure. Cela permettait de voir les objets sous différents angles, rendant les compositions plus engageantes et complexes.
L’approche novatrice de Cézanne envers les natures mortes a inspiré de nombreux artistes, y compris les cubistes comme Picasso et Braque. Son exploration des formes et des perspectives a ouvert de nouvelles voies dans l’art moderne, établissant des bases solides pour les développements futurs.
Les natures mortes de Paul Cézanne sont bien plus que de simples représentations d’objets inanimés. Elles sont des explorations profondes de la forme, de la couleur et de la perception, qui ont transformé la manière dont les artistes et le public voient le monde. À travers ses œuvres, Cézanne a redéfini un genre classique, le propulsant vers de nouveaux horizons.
La couleur noire est l’une des teintes les plus intrigantes de la palette chromatique.
Associée à une myriade de significations et de symbolisme, elle incarne la profondeur, le mystère et la richesse d’une histoire qui s’étend à travers l’art, la culture, la religion et la spiritualité.
Dans cet article, nous explorerons la composition en peinture, l’histoire, le symbolisme religieux, la signification en spiritualité et les caractéristiques des personnes qui aiment la couleur noire.
La couleur noire, en peinture, est souvent obtenue en mélangeant des couleurs primaires, comme le rouge, le jaune et le bleu, pour créer une nuance sombre.
Le noir est souvent utilisé pour accentuer les contrastes et mettre en évidence les autres couleurs.
Il peut également être mélangé avec d’autres teintes pour obtenir des nuances plus subtiles, comme le gris. Les artistes ont utilisé le noir de diverses manières, de l’ombrage des détails à l’expression de l’obscurité et de la mélancolie.
L’histoire de la couleur noire remonte à l’Antiquité.
Les Égyptiens l’associaient à l’obscurité et à la renaissance, tandis que les Grecs utilisaient le noir pour symboliser la mort.
Au cours du Moyen Âge, la couleur noire était souvent liée à la modestie et à la simplicité, et elle était portée par des moines et des religieuses.
À la Renaissance, le noir est devenu un symbole de prestige et de sophistication, utilisé par des artistes comme Léonard de Vinci.
Les personnes qui sont attirées par la couleur noire sont souvent perçues comme mystérieuses, sophistiquées et réservées.
Elles ont un sens du style unique et apprécient la simplicité et l’élégance.
Les amateurs de noir sont souvent créatifs, intellectuels et passionnés.
Ils cherchent la profondeur dans toutes les choses et sont souvent attirés par les questions philosophiques et spirituelles.
Dans la tradition chrétienne, le noir est associé au deuil et à la mort. Il est souvent utilisé lors des cérémonies funéraires pour symboliser la fin de la vie terrestre. Cependant, le noir peut aussi être vu comme le prélude à la résurrection et à la lumière éternelle.
Dans l’islam, le noir est porté lors des pèlerinages à La Mecque, symbolisant la simplicité et l’unité spirituelle de tous les croyants devant Dieu. Il est également porté en signe de deuil.
La couleur noire est associée à la méditation et à la dissolution du moi. Elle symbolise le vide, l’absence d’ego et la quête de l’illumination.
Dans l’hindouisme, le noir est associé à la divinité Kali, une déesse de la destruction et de la transformation. Elle incarne la puissance féminine et le renouvellement.
Le noir est souvent associé à la spiritualité, la sagesse et la transformation.
Il représente le mystère de l’inconnu, l’exploration des profondeurs de l’âme et la recherche de la vérité intérieure.
C’est une couleur méditative qui encourage la réflexion et l’introspection.
La couleur noire est bien plus qu’une simple teinte dans la palette chromatique. Elle incarne des significations profondes et variées à travers l’histoire, la religion, la spiritualité et la psychologie. Que vous l’aimiez pour son mystère ou que vous la portiez pour ses significations religieuses, la couleur noire continue de fasciner et d’inspirer des générations de personnes à travers le monde. Elle est un rappel puissant de la richesse des nuances que peut offrir une simple couleur.
La prochaine fois que vous verrez le noir, rappelez-vous qu’il peut signifier bien plus que ce qui apparaît à l’œil nu. C’est une fenêtre sur l’âme, un reflet de notre histoire, de notre spiritualité et de notre quête de sens.
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définie comme une teinte terreuse allant du jaune au brun, est une palette de nuances chaleureuses qui a une place spéciale dans le monde des couleurs.
Elle évoque instantanément des images de paysages désertiques, de poteries anciennes et de créations artistiques intemporelles.
Dans ce chapitre introductif, nous allons plonger dans l’univers fascinant de la couleur ocre, en explorant ses origines, ses variétés et son importance dans différentes cultures.
La couleur ocre, un mélange captivant de nuances entre le jaune et le brun, a une histoire riche et un symbolisme profond qui ont marqué le monde de l’art et de la créativité depuis des millénaires. Dans cet article, nous plongerons dans l’histoire de la couleur ocre en peinture et explorerons son symbolisme à travers les époques.
L’Origine Ancienne de l’Ocre
L’ocre tire son nom du mot grec « ókhra », qui signifie « terre jaune ». Son utilisation remonte à l’Antiquité, où les civilisations méditerranéennes l’ont abondamment employée pour les fresques murales, les sculptures et les poteries. Les anciens Égyptiens ont créé des pigments ocre à partir d’argile, d’ocre jaune et de calcaire, tandis que les Romains l’ont extrait de gisements naturels.
L’Âge d’Or de la Renaissance
Au cours de la Renaissance européenne, l’ocre a connu un renouveau artistique. Les maîtres de cette époque, tels que Léonard de Vinci, Michel-Ange et Raphaël, ont utilisé l’ocre pour donner de la profondeur et de la chaleur à leurs œuvres. La couleur ocre était particulièrement appréciée pour ses qualités de sous-couche, servant de base aux couches supérieures de peinture à l’huile.
Le Symbolisme de l’Ocre en Peinture
La couleur ocre a un symbolisme riche et varié en peinture :
Chaleur et Terre : L’ocre évoque le soleil, la chaleur et la terre. Elle est souvent utilisée pour représenter des paysages désertiques, des champs de blé mûr et des scènes rurales. Dans les natures mortes, elle peut symboliser la fertilité de la terre.
Antiquité et Tradition : En raison de son utilisation historique, l’ocre est associée à la tradition et à l’authenticité. Elle est utilisée pour créer des œuvres qui rappellent des temps anciens et des cultures passées.
Stabilité et Profondeur : L’ocre est fréquemment utilisée comme une couleur de fond ou de sous-couche dans les peintures à l’huile. Elle apporte une stabilité et une profondeur à la composition, servant de base solide sur laquelle les artistes construisent leurs œuvres.
Calme et Simplicité : L’ocre est également utilisée pour évoquer le calme, la simplicité et la sérénité. Elle peut être utilisée pour créer des œuvres apaisantes, équilibrées et méditatives.
L’Ocre dans l’Art Contemporain
L’ocre continue d’être un élément essentiel dans l’art contemporain. Les artistes contemporains l’utilisent de manière innovante, combinant ses qualités traditionnelles avec des techniques modernes pour créer des œuvres originales et puissantes. L’ocre est également utilisée pour évoquer la relation complexe entre l’homme et la nature, soulignant l’importance de la durabilité et de la préservation de la Terre.
En conclusion, la couleur ocre a une histoire fascinante en peinture, remontant à l’Antiquité et continuant à inspirer les artistes contemporains. Son symbolisme, lié à la chaleur, à la tradition, à la stabilité et à la simplicité, lui confère une place spéciale dans le monde de l’art. Que ce soit pour évoquer des scènes rustiques, des paysages ensoleillés ou des émotions profondes, l’ocre demeure une teinte incontournable dans la palette de tout artiste.
Les personnes qui sont attirées par la couleur ocre sont souvent celles qui apprécient les teintes chaudes et terreuses. La couleur ocre évoque des sensations de chaleur, de sécurité et de stabilité, ce qui en fait un choix populaire pour ceux qui recherchent un environnement ou une esthétique réconfortante. Voici quelques caractéristiques des personnes qui aiment la couleur ocre :
Amoureux de la nature : Les amoureux de la nature sont souvent attirés par l’ocre en raison de son association avec la terre, les éléments naturels et les paysages ruraux. Cette couleur évoque la beauté des environnements naturels, des déserts aux champs de blé doré.
Personnes en quête de simplicité : L’ocre est une couleur qui incarne la simplicité et la modestie. Les individus qui recherchent une vie plus simple, dépourvue de fioritures, trouvent souvent dans cette couleur une source d’inspiration.
Esprits créatifs : Les artistes, designers d’intérieur et créatifs apprécient souvent l’ocre pour sa polyvalence. Elle peut servir de toile de fond chaleureuse ou être utilisée pour créer des accents vibrants dans une œuvre d’art ou un espace.
Personnes attachées à la tradition : L’ocre est une couleur qui a une longue histoire dans l’art et la culture. Les individus attachés à la tradition et à l’authenticité sont susceptibles d’apprécier cette teinte pour son lien avec les temps anciens.
Personnes cherchant la stabilité : L’ocre est souvent utilisée comme une couleur de fond stable dans la peinture à l’huile, offrant une base solide pour la création artistique. Les personnes qui valorisent la stabilité et l’équilibre dans leur vie peuvent être attirées par cette couleur.
Amateurs de décors apaisants : L’ocre est également utilisée pour créer des décors apaisants, que ce soit dans la décoration intérieure ou dans la mode. Les personnes qui préfèrent un environnement serein et harmonieux peuvent choisir l’ocre pour créer une ambiance accueillante.
Il est important de noter que la préférence pour la couleur ocre peut varier d’une personne à l’autre en fonction de ses goûts personnels, de son histoire culturelle et de ses expériences de vie. Cependant, la couleur ocre est souvent associée à des qualités telles que la chaleur, la simplicité, la stabilité et la connexion à la nature, ce qui en fait un choix attrayant pour un large éventail de personnes.
Symbolisme de la Couleur Ocre dans les Religions
La couleur ocre détient une signification symbolique profonde dans diverses religions à travers le monde. Voici un aperçu de son symbolisme dans quelques-unes d’entre elles :
Christianisme : Dans la tradition chrétienne, l’ocre est souvent associée à la terre, à l’humilité et à la simplicité. Elle est utilisée pour représenter la modestie et la réalité terrestre de la vie de Jésus-Christ. Les moines et les religieuses portent parfois des vêtements ocre pour signifier leur renoncement au monde matériel.
Bouddhisme : Dans le bouddhisme, la couleur ocre est utilisée pour les robes des moines et des nonnes. Elle symbolise la sobriété, la simplicité, et le détachement du monde matériel. Les adeptes bouddhistes considèrent cette couleur comme un rappel constant de la nécessité de transcender les désirs et les attachements terrestres.
Hindouisme : En Inde, la couleur ocre est souvent associée à la déesse Kali, qui représente le pouvoir et la destruction du mal. Elle est aussi liée à la déesse Saraswati, qui incarne la connaissance et la sagesse. Dans les cérémonies religieuses hindoues, la poudre d’ocre est utilisée pour marquer le front des dévots, symbolisant la bénédiction et la protection divines
Il convient de noter que le symbolisme des couleurs peut varier d’une tradition religieuse à l’autre, et même à l’intérieur de chaque tradition, en fonction de l’interprétation locale et des pratiques spécifiques. Par conséquent, la signification précise de l’ocre dans la religion peut différer en fonction du contexte culturel et religieux.
La Couleur Ocre en Spiritualité
La couleur ocre joue également un rôle significatif dans la spiritualité, en dehors des contextes religieux formels. Voici quelques-unes de ses connotations spirituelles :
Méditation : L’ocre est souvent utilisée comme couleur de base pour les tapis de méditation et les coussins. Cette couleur favorise un sentiment d’ancrage, de stabilité et de connexion à la terre. Elle aide les méditants à se sentir enracinés et centrés pendant leur pratique.
Chakra Racine : Dans la philosophie yogique, l’ocre est associée au chakra racine, situé à la base de la colonne vertébrale. Ce chakra est lié à la sécurité, à la stabilité, et à la connexion à la Terre. La méditation sur la couleur ocre peut aider à équilibrer ce chakra, favorisant ainsi le sentiment de sécurité intérieure.
Connection à la Nature : La couleur ocre évoque souvent des éléments naturels comme la terre, le sable et les rochers. Pour les adeptes de spiritualité centrée sur la nature, cette couleur symbolise la communion avec l’environnement naturel et la célébration de la Terre-Mère.
En conclusion, la couleur ocre a une signification profonde et variée dans les religions et la spiritualité. Elle est souvent associée à la modestie, à la simplicité, à la connexion à la terre et à la recherche de stabilité intérieure. Que ce soit dans la prière, la méditation ou la vie quotidienne, l’ocre continue d’inspirer et de nourrir des pratiques spirituelles à travers le monde.
En résumé, la couleur ocre est bien plus qu’une simple teinte dans le spectre des couleurs. Elle possède une histoire riche, un symbolisme diversifié dans les religions et la spiritualité, ainsi qu’une grande popularité dans le domaine de la décoration et de la mode. Que vous soyez un passionné d’art, un pratiquant spirituel ou simplement quelqu’un qui apprécie la beauté de la Terre, l’ocre continue de captiver et d’inspirer notre imagination.
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